Харменс ван Рейн Рембрандт
1606–1669
«Директ-Медиа», Москва, 2016
Рембрандт родился 15 июля 1606 в городе Лейдене. Отец художника держал мельницу, стоявшую на берегу одного из рукавов Рейна. Отсюда родовое прозвище мастера — Рембрандт ван Рейн — «который с Рейна».
ВВЕДЕНИЕ

XVII век был для Голландии периодом расцвета всех областей духовной культуры. Бурно развивались литература, архитектура, театр, живопись. Но наибольшие культурные ценности в «золотой век» истории этой страны были созданы именно в области изобразительного искусства, которое созревало, появившись в годы революции, героической освободительной борьбы и бурного послереволюционного подъема...
Видимо, поэтому живопись Голландии носит демократический характер, посредством которого художники выражали свои идеи и отношение к действительности, а произведения отличает смелый реализм в изображении человека и его жизни. Достижения голландского реализма были очень близки Рембрандту и нашли в его творчестве свое наивысшее воплощение. Творчество живописца поражает широтой тематического охвата, что вообще в мировом искусстве свойственно очень редким художникам.

Рембрандт родился 15 июля 1606 в городе Лейдене (Нидерланды). Отец художника держал мельницу, стоявшую на берегу одного из рукавов Рейна. Отсюда родовое прозвище мастера — Рембрандт ван Рейн — «который с Рейна». В 1620 мальчик окончил латинскую школу гимназического уровня, затем около года учился в Лейденском университете. Здесь впервые проявилось его увлечение рисованием, поэтому родители отдали сына на обучение местному живописцу Якобу Исааку ван Сванненбюрху. Однако вскоре молодой человек перебрался в Амстердам к более именитому учителю — Питеру Ластману (1583–1633).

Ластман был представителем группы голландских художников, посвятивших свое творчество античным и библейским сюжетам. В его исторических картинах зрителя увлекают красочные подробности быта древних народов и мизансцены, в которых проявляются сильные чувства персонажей. Но, несмотря на мастерство их выполнения и отдельные реалистические детали, его работы отличались надуманностью и театральностью даже в изображении вполне реальных событий. Многие характерные черты живописи Ластмана оказали существенное влияние на становление стиля Рембрандта, хотя он провел в его мастерской не более полугода и в возрасте девятнадцати лет вернулся в родной Лейден.

В картинах «лейденского» периода (1625–1631) очевидны живописные черты Рембрандта-ученика: аккуратная, немного строгая, суховатая манера письма, резкие переходы цвета и света. С самого начала художника привлекал жанр портрета. Пока было мало заказов, он часто писал своих родственников и близких, а также большое количество автопортретов. Изображая себя c самыми разными выражениями лица — улыбающимся, смеющимся, сконфуженным, Рембрандт совершенствовал возможность передачи мимико-психологических состояний. Ранние автопортреты часто поверхностны, иногда даже грубы, причиной чего были, конечно, отсутствие жизненного опыта и молодой возраст.

К лейденскому периоду относятся также первые опыты художника в области печатной графики. Неизвестно, у кого учился Рембрандт искусству офорта, но его ранние гравюры уже отличаются мастерством исполнения и глубоким пониманием рисунка. Эти работы говорят о том, что Рембрандт выбирал персонажей своих произведений, прежде всего, из низов голландского общества. Весьма реалистично и жизненно он часто писал бродяг, калек и нищих. Постепенно творчество художника привлекло к себе внимание публики, его талант отметили современники, у него появились ученики. Живописцу стали предсказывать большое будущее.

Одно время Рембрандт подписывал свои работы монограммой RHL, содержащей имя его отца Хармена и название родного города Лейдена. Но после приезда в Амстердам в 1631 он стал подписываться одним именем — Рембрандт, подобно великим мастерам Тициану и Рафаэлю. В Амстердаме у художника начался один из успешных периодов в творческой жизни. Он получил выгодный заказ от гильдии хирургов и в январе 1632 посетил лекцию выдающегося голландского врача Николаса Питерса, на которой слушатели были свидетелями вскрытия трупа вора. Медики имели право вскрывать тела лишь тех преступников, которые были осуждены на казнь. Поскольку это случалось крайне редко, то всегда было настоящим событием, которое как раз и предстояло запечатлеть в своей картине Рембрандту.

В произведении «Урок анатомии доктора Николаса Тулпа» (1632, Маурицхёйз, Гаага) автор выступает как глубокий психолог, сумевший передать сложную картину личностных взаимоотношений. Перед нами группа слушателей-хирургов, одетых в праздничные костюмы. В Голландии распространенной была разновидность портрета, изображающего человека за любимым делом. Он требовал использования элементов бытовой картины — включение в сюжет окружающих предметов, характеризующих жизнь портретируемого. Самым сложным было сохранить в рамках жанра преобладание портретного образа над бытовым, и с этой задачей Рембрандт справился блестяще.

Во взглядах персонажей — восхищение от только что прослушанной лекции, обнаружившей удивительно глубокие знания лектора; молодые люди напряжены, сравнивая анатомию вскрытой руки трупа с тем, что написано в огромной книге, лежащей у его ног. Только выражение лица доктора очень сдержанно. Как настоящий профессионал, он не испытывает ни страха, ни смущения, ни робости. Доктор Тулп спокоен, уверен в себе и не боится смотреть в глаза действительности. Даже слуга, который на заднем плане картины принимает плащ у только что пришедшего хирурга, нисколько не испуган зрелищем, а спокойно взирает на зрителя поверх голов собравшихся врачей.

Это полотно принесло Рембрандту признание амстердамской публики. Он получил множество заказов на портреты от знатных господ и за первые два года создал их более пятидесяти! Благосостояние художника росло вместе с его популярностью. Рембрандт был страстным коллекционером. На заработанные деньги он приобретал произведения искусства, антикварные вещи, старинные костюмы. Когда осуществлялась опись имущества живописца, среди произведений, входящих в его обширную коллекцию, были картины Рафаэля, Альбрехта Дюрера, Питера Брейгеля, Рубенса, Ван-Дейка и других мастеров.
1. Новая жизнь. Слава и признание

В 1634 Рембрандт женился на Саскии ван Эйленборх, происходившей из богатой патрицианской семьи. Он очень любил супругу и часто изображал ее в самых разных образах: то в обычном костюме голландской бюргерши, то в фантастических одеждах, превращающих ее в героиню античной или библейской мифологии...
Одним из ранних произведений на историческую тему является полотно «Софонисба принимает чашу с ядом» (1634, Музей Прадо, Мадрид). Женщина на картине очень напоминает Саскию. Согласно преданию, Софонисба, дочь карфагенского полководца, жила во время ожесточенной войны Карфагена с Римом. Чтобы закрепить союз с нумидийцами, ее отец выдал дочь за царя Сифакса, погибшего в битве с римлянином Масиниссом, который захотел взять царицу себе в жены. Когда римляне запретили ему этот брак, он прислал Софонисбе чашу с ядом, которую царица выпила, не задумываясь.

В картине «Флора» (1634, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург) Саския предстает в образе богини растительности Флоры. Женщина беременна; тюльпан в венке, которым украшена ее голова, указывает на голландскую принадлежность. С веточкой в руках Саския напоминает сказочную героиню, гуляющую в лесу. Удивительно выписана ткань ее одежды, которая выглядит словно настоящая, и кажется, если притронуться к холсту, можно ощутить гладкость и прохладность атласа. Картина выполнена в холодной красочной гамме, но оставляет удивительно теплое впечатление. Образ молодой Саскии очень трогателен и весьма отличается от царственной женщины, являющейся героиней картины, написанной годом позже.

В «Автопортрете с Саскией на коленях» (1635–1636, Картинная галерея, Дрезден) перед нами необыкновенно счастливый и нарядный Рембрандт в образе жениха, сидящего за накрытым столом с Саскией на коленях. В глазах художника, светящихся от счастья, — раздолье и веселье, передающиеся зрителю, а жест руки, которой он нежно придерживает спутницу за талию, говорит о теплом отношении к ней. Рембрандт поднял высокий красивый бокал с напитком, предлагая публике присоединиться к празднику его души и выпить за их семейное счастье. Супруги одеты в красивые старинные костюмы, которые Рембрандт с удовольствием покупал у антикваров, чтобы его модели могли переодеваться и выглядеть на портретах роскошно.
2. Исторические и библейские сюжеты

В XVI–XVIII веках к «исторической» живописи относились не только картины с изображением событий истории, но и полотна на религиозные и мифологические сюжеты. Влияние учителя Ластмана прослеживается во многих работах Рембрандта. Однако чувствуется также, что при некоторой схожести композиционных приемов, колорита и костюмов героев Рембрандт трактует образы и сюжеты глубоко индивидуально. Оставаясь в рамках традиционных библейских и мифологических сюжетов, он стремился, прежде всего, передавать реальные чувства и самого человека именно такими, какие они были на самом деле — без прикрас, надуманности и театральности...
В исторических произведениях раскрывается необыкновенно яркий талант Рембрандта-рассказчика. В этих работах чувствуется стремление живописца показать двойственность и противоречивость человеческой натуры, ибо именно в них, по мнению мастера, нужно искать мотивы любого поступка. Он придерживался философии Паскаля, который считал, что «человек — нечто чудесное и хранящее истину, с одной стороны, а с другой стороны, — это сосуд неопределенности и ошибок, противоречие в самом себе».

В 1634 принц Фридерик Хендрик Оранский, известный меценат, заказал у Рембрандта цикл из пяти картин на тему страстей Христовых. Одну из них — «Снятие с креста» (1634, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург) художник позже повторил, но уже в большом размере. Родные и близкие ночью снимают с креста безжизненное тело распятого Иисуса. Лица персонажей бледны и взволнованны. Мощная игра светотени создает необыкновенно драматический эффект. Фигура измученного Христа вырвана из полумрака единственным источником света. То ли он льется на Него сверху, то ли исходит от самого Господа. Богоматерь изображена в образе простой женщины. Ее лицо также озарено светом. Она стоит справа в полуобморочном состоянии, по обе стороны Ее поддерживают люди. На земле разложена роскошная ткань, на которую вскоре положат Христа. Все участники этого действа — простые люди, потому что смерть Сына Божьего — это общечеловеческое горе.

В произведении «Неверие святого Фомы» (1634, Музей изобразительных искусств имени А. С. Пушкина, Москва) продолжается тема убиения и воскрешения Христа. Здесь изображен эпизод, когда Иисус после снятия с креста явился своим ученикам и показывает раны. Апостолы рассказали об этом чуде Фоме, но тот не поверил, сказав: «Если не увижу на руках Его ран от гвоздей и не вложу перста моего в раны от гвоздей, и не вложу руки моей в ребра Его, не поверю». Через несколько дней Христос снова пришел к ученикам, среди которых был и Фома. Он подошел к нему и предложил не просто коснуться ран, а вложить в них свои пальцы. Фома в испуге выполнил просьбу и со стыдом признал Господа. Работа написана темными красками, и лишь центр композиции освещен ярким светом, исходящим от фигуры Иисуса. Присущая кисти Рембрандта игра света и тени передает внутреннюю динамику эпизода и его необыкновенно волнующий характер.

Полотно «Пир Валтасара» (1635, Национальная галерея, Лондон) изображает библейский сюжет, связанный с правлением и смертью последнего вавилонского царя Валтасара, с именем которого ассоциируется падение Вавилона (Книга пророка Даниила, V, 1–30). Во время осады в столице было достаточно запасов продуктов, поэтому жители могли еще долго не волноваться о пропитании. Однако Валтасар решил устроить роскошное пиршество по совершенно незначительному поводу, пригласив почти тысячу вельмож и придворных. В основе картины — кульминационный момент, когда в самый разгар пира на стене проявляется рука, написавшая некие слова. Царь, стоящий в центре композиции и занимающий основное ее пространство, в ужасе обернулся на это явление. Пиршествующая справа дама пригнулась в страхе, не замечая, как выливает на себя из драгоценного сосуда напиток. В библейском сюжете мудрецам не удалось прочитать эту волшебную надпись. И тогда был приглашен пророк Даниил, который ее расшифровал. Она гласила: «Исчислил Бог царство твое и положил конец ему. Ты взвешен и найден очень легким. Разделено царство твое и отдано мидянам и персам». В ту же ночь, согласно библейскому повествованию, царь халдейский Валтасар был убит.

Другой сюжет из Священной книги отражен в картине «Жертвоприношение Авраама» (1635, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург). Холст окутан полумраком, из которого светом выхвачены три фрагмента из Писания — тело молодого Исаака с перевязанными за спиной руками, согнувшегося в ожидании смертельного удара; бледное от ужаса и горя лицо Авраама, понимающего, что он в эту минуту должен заклать собственного сына по велению Бога; и жест ангела, словно ворвавшегося из облаков в композицию, чтобы избавить героев от страшного события.

В изображении человека Рембрандта больше привлекают эффектные в своем выражении чувства боли, страха, состояния радости, горя, удивления, негодования — все, что видно невооруженным глазом, а не то, что переживается внутри. Особенно остро это отражено в крупноформатных и многофигурных композициях.

Такова, например, картина «Ослепление Самсона» (1636, Штеделевский художественный институт, Франкфурт-на-Майне). В ее основе — наиболее драматический эпизод из библейского сказания. Могучий Самсон, известный своей огромной силой, попал в руки врагов, потому что его предала возлюбленная Далила. Нападающие ослепляют его, вонзив в глаза кинжал. Богатырское тело Самсона, выделенное ярким сияющим светом, согнулось от боли. Композиция работы очень динамична, насыщенные цветовые контрасты, переходы света и тени создают ощущение тревоги и ужаса. На заднем плане видна убегающая Далила; все вокруг столкнулось в жестокой борьбе.

Исследователи творчества художника полагают, что это произведение связано с полотном «Даная». Их анализ показал абсолютно идентичную структуру, то есть, возможно, два холста были отрезаны от одного большого куска. Также их связывает не только размер, но и композиционное построение — фигуры представлены в полный рост, за счет чего картины монументальны. Существует также версия, что живописец подарил эти работы секретарю принца Фридерика Хендрика — Константину Хейгенсу, благодаря которому у него было множество заказов. Эту мысль подтверждают также письма, в которых Рембрандт извещает Хейгенса о том, что завершены два холста, которые он хотел бы преподнести ему в знак благодарности. Их сюжет не указывается, но есть все основания полагать, что автор имел в виду именно эти произведения.

«Даная» (1636–1647, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург) является одним из самых лучших творений мастера, ставших гимном его любви к Саскии. Самим художником картина датирована 1636, однако знатоки творчества Рембрандта относят полотно к более позднему периоду, поскольку для раннего еще не характерны те глубина и сила, с которыми написана эта работа. Исследования произведения в лабораториях Государственного Эрмитажа под рентгеновскими лучами развеяли все сомнения: картина, действительно, написана в 1630-е, просто в последующие десятилетия была подвержена значительной авторской переработке.

В ее основе — сюжет древнегреческой легенды. Аргосский царь, отец Данаи, заключил свою дочь в башню. Но к ней под видом золотого дождя проник полюбивший ее бог Зевс. Со смешанным чувством радости и робости (двойственность человеческой натуры) стремится Даная навстречу золотому сиянию. Рембрандт не изображает идеальное женское тело, как это делали другие художники. Внешность женщины далека от совершенной красоты, но какое у нее лицо — вдохновенное, наполненное любовью, надеждой, верой, какая женственная поза, каким трепетом наполнен жест руки!

Возвращаясь к спорам вокруг этого полотна, отметим, что в чертах лица Данаи мало сходства с хорошо известным обликом Саскии. Именно рентгеноскопия разрешила эту загадку. «Даная» не предназначалась для продажи и очень долгое время хранилась в мастерской художника — вплоть до распродажи после банкротства его имущества. Мастер неоднократно возвращался к своей любимой работе, переделывал ее в соответствии с профессиональным живописным видением в тот или иной момент, либо в зависимости от настроения или состояния души. Он переписывал черты лица героини, то придавая ему сходство с Гертьё Диркс, служанкой, жившей в его доме после смерти Саскии, то с Хендрикьё Стоффелс. Сейчас лицо Данаи представляет собой сочетание черт близких Рембрандту женщин. Но на рентгеновском снимке сходство с Саскией все же выступает гораздо яснее.

Необычайна также и судьба этого полотна. После потери Рембрандтом имущества оно сменило ряд владельцев, пока не было куплено в 1772 Екатериной II. Но даже в зале Государственного Эрмитажа эта удивительная картина в 1985 подверглась нападению маньяка, нанесшего два ножевых удара и облившего ее кислотой. Реставраторы все-таки спасли шедевр, вернув его зрителям.
3. Неугодный художник

Жанр пейзажа не был у Рембрандта излюбленным. В более поздних работах чувствуются особая эмоциональность как в композиционном строе, так и в колористическом решении, а также общая динамика. В картине «Пейзаж с каменным мостом» (около 1638, Риксмузеум, Амстердам) заключена борьба света и тени: из-под густых облаков едва проступает солнце, словно протискиваясь сквозь их густоту. Поток яркого солнечного света выливается на два дерева, изображенных в центре полотна. Все остальное — мост, люди в лодке, спешащие домой перед начинающейся грозой, — погружено в полумрак. И только в этом озаренном солнцем фрагменте сюжета видны очертания старого покосившегося забора, листьев и даже проходящего мимо человека...

Однако время большой славы длилось недолго. Творчество Рембрандта очень отличалось от работ модных в то время голландских художников. Буржуазная среда имела свои вкусы и притязания, Рембрандт же не хотел потакать ей и продолжал создавать искусство, наполненное глубоко индивидуальными чертами, искусство, главной темой которого всегда был человек, его внешняя и внутренняя жизнь без фантазий и выдуманных черт — такая, какая она есть. Подлинно реалистическое творчество мастера смущало современников своей голой правдой. А потому неминуемым был конфликт между живописцем и буржуазным обществом. Началом этого противостояния стал крупный заказ группового портрета амстердамских стрелков роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема ван Рейтенберга, над которым художник работал два года.

Произведение «Выступление стрелков роты капитана Франса Баннинга Кока», получившее позже название «Ночной дозор» (1642, Риксмузеум, Амстердам) изображает памятное историческое событие, возможно, участие амстердамских стрелков в торжественном приеме, оказанном городом французской королеве Марии Медичи в 1639. На полотне рота капитана Кока выходит из темного пространства на передний план, залитый ярким светом. Каждый персонаж занят своим делом, отчего эпизод кажется выхваченным случайно: стрелки чистят и разбирают свои пики; знаменосец разворачивает пестрое полотнище; кто-то раздает распоряжения, активно жестикулируя. В правой части картины виден пожилой мужчина, выбивающий барабанную дробь, у его ног лает собака; и все происходящее в силу разнородных действий и некого легкого хаоса, наполненного динамикой и шумом, оставляет очень живое впечатление.

Темное колористическое решение полотна разбавлено двумя яркими желтыми пятнами: фигурой невысокого мужчины в центре справа (лейтенанта Виллема ван Рейтенберга) и маленькой девочки в желтом платье слева. Военные изображены вперемешку с прохожими, что создает некую сутолоку. И только капитан Кок невозмутимо беседует с кем-то, опираясь на трость.

Картина Рембрандта вызвала у амстердамцев разные мнения. Художник пытался показать коллектив людей, объединенных общим порывом гражданских чувств, но, увы, идея эта осталась непонятой и, что хуже, — непринятой. Далеко не всем понравилось, что рядом со стрелками Кока, оплатившими заказ, дабы попасть в сюжет композиции, были изображены совершенно посторонние люди. Кроме того, лица некоторых заказчиков заслонены другими фигурами.

С этого времени популярность Рембрандта начала падать, уменьшилось количество заказов и учеников. Художник переживал очень непростой период. Помимо критических высказываний относительно «Ночного дозора» в самый разгар работы над ним, в 1641, в возрасте тридцати лет от туберкулеза умерла Саския. Наверное, неслучайно в картину с изображением стрелков введена фигурка маленькой девочки, бросающей взгляд на зрителя. Приглядевшись, можно заметить в ее лице большое сходство с молодой Саскией.

После смерти любимой супруги живописец искал утешение и уединение в природе. Поэтому в последующие десятилетия он серьезно увлекся пейзажем. Выбирая места и сюжеты, художник останавливался не на эффектных видах, а уединенных, скромных, тихих уголках.

В огромном наследии Рембрандта большое место занимают гравюры и рисунки, которые были так же блестяще исполнены мастером, как живопись. Рембрандт создавал свои гравюры в технике офорта (офорт — «крепкая водка»): на металлической доске, покрытой лаком, иглой процарапывался рисунок, который в конце обрабатывался кислотами. После удаления лака обработанные кислотой линии заполнялись краской, а с доски на влажной бумаге под прессом делался отпечаток. Офортом называется как способ гравирования, так и полученный с доски оттиск. Рембрандтом создано около трехсот гравюр офортом, которые принадлежат к величайшим достижениям в области графики. До нашего времени сохранилось также около полутора тысяч рисунков художника.

В офорте «Три дерева» (1643, собрание Я. де Брёйна) многочисленные вертикальные линии в левой части создают впечатление льющегося на землю стремительными струями дождя. На центральную и правую часть бумаги штрихи не нанесены, от чего небо и пространство композиции кажутся просторными, открытыми, сияющими. В офорте заключена символическая борьба и победа света над мраком. Природа, очищенная и словно возрожденная, создает жизнеутверждающий и оптимистичный настрой. Троица деревьев кажется осью этого мира, его животворным началом — так ясно и полноценно воплотилось в них все, что только есть вокруг: в кряжистых стволах — терпеливая сила земли; в трепетании ветвей и листьев — вольное стремление воздуха...

В 1640-х в создании образов большое значение художник придает светотени, живописные приемы становятся многообразнее, смелее, колорит — насыщенным, темпераментным, исполненным ярких тонов коричневого, красного, золотистого цветов. По-прежнему преобладают композиции на библейские и евангельские темы, сюжетами которых выбраны не драматические эпизоды, а те, что раскрывают простые человеческие качества: страдание, милосердие, доброту, материнскую и супружескую любовь.

В картине «Святое семейство и ангелы» (1645, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург), пропитанной удивительной нежностью, сплелось божественное и земное. Богоматерь читала книгу, но прервалась, чтобы поправить покрывало на Младенце и укрыть Его от чрезвычайно яркого света. В Ее жесте — бесконечная любовь и забота. Сладко спит Иисус, Чье лицо, как всегда, озарено потоком света. На заднем плане работает муж Марии. Этот простой эпизод из жизни одной семьи мог бы казаться обычным, если бы не ангелы, парящие в небесах.

Полотно «Сусанна и старцы» (1647, Государственный музей, Берлин) наполнено драматизмом и эротизмом. Сусанна направляется к купальне в саду, но из укрытия выходят два старца и начинают склонять девушку к тому, чтобы она разделила с ними ложе. Старцы угрожают: в противном случае они будут лжесвидетельствовать, что Сусанна якобы прелюбодействовала с другим мужчиной. Сусанна отказывается категорически, она пытается, напуганная, прикрыть свою наготу, но один из старцев срывает с нее покрывало, продолжая что-то настойчиво говорить. Обувь красного цвета, оставленная девушкой возле купальни, очевидно, является эротическим символом голландского искусства XVII века.

В картине «Ужин в Эммаусе» (1648, Лувр, Париж) изображена встреча воскресшего Христа с учениками. Зал трактира залит теплым ярким светом. Иисус сидит в центре стола, взгляд Его спокоен и сосредоточен. Зрителю плохо видно лицо апостола, сидящего справа, а тот, что слева, вообще обращен к нему спиной. Зато художник прекрасно показал лицо юноши-официанта, подающего гостям трапезу. Мальчик очень кроток, во всей его позе сквозит осторожность и некое благоговение перед дорогим Гостем. Для «случайного человека» встреча с Воскресшим гораздо важнее, чем для тех, кто знал Его при жизни, потому что Христос выбирает своих последователей среди любого.

Бесконечная любовь к человечеству выражена в работе «Христос, исцеляющий больных» (1642–1646, собрание Я. де Брёйна), известной также как «Лист в сто гульденов». Перед нами заброшенное помещение, утопающее в полумраке. Христа окружает множество посторонних людей — нищие, калеки, дети, старики. В слегка растушеванных лицах героев заключены боль, нужда, вера, сомнение. Игра света и тени, как всегда, блестяще передана мастером. Известно, что в XVIII веке некто заплатил за оттиск этого офорта огромную сумму.

Выполняя заказ богатого коллекционера А. Руффо, Рембрандт создал картину «Аристотель перед бюстом Гомера» (1653, музей Метрополитен, НьюЙорк). В Голландии тогда было очень модно писать в светлых красках, гладкими, ровными, легкими, почти прозрачными мазками. Рембрандта отличала иная манера письма: он любил сочные краски, цветовые контрасты, богатую фактуру. Публика, шедшая на поводу установленных модных тенденций, не воспринимала индивидуальный стиль живописца, поэтому, не имея поддержки и спроса, художник жил на грани разорения.

Кроме творческой невостребованности, у Рембрандта было немало трудностей и в личной жизни. В 1649 после скандального сожительства с Гертьё Диркс, няней юного сына Титуса, Рембрандт увлекся служанкой Хендрикьё Стоффелс, которой было почти двадцать пять лет. Они не торопились узаконить свои отношения, так как это было чревато тем, что вдовец терял право распоряжаться наследством, оставленным покойной Саскией, которое он берег для своего сына. И, хотя церковный совет Амстердама отлучил женщину от вечернего причастия, требуя прекратить недопустимую внебрачную связь, от Рембрандта она все же не ушла, родив ему дочь Корнелию.

Хендрикьё стала героиней нескольких картин, среди которых «Молодая женщина, купающаяся в ручье» и «Портрет Хендрикьё Стоффелс». В полотне «Молодая женщина, купающаяся в ручье» (1654, Национальная галерея, Лондон) Хендрикьё в свободном платье, небрежно ниспадающем с плеч, осторожно вступает в реку, приподняв подол выше колен. Прекрасно выписаны обнаженные части ее тела. На лице играет тихая, робкая, полная нежности улыбка. Героиня выглядит так, словно не подозревает о том, что в эту минуту является моделью для собственного супруга. Она не застигнута врасплох, но и не напряжена. Черты лица спокойны и расслаблены.

«Вирсавия с письмом царя Давида» (1654, Лувр, Париж) является одной из красивейших картин Рембрандта. В основе полотна — сюжет из Ветхого Завета, в котором рассказывается, как однажды властелин Израиля Давид поднялся вечером на крышу и увидел с вершины своего дворца купающуюся Вирсавию: «И он увидел с кровли купающуюся женщину; а та женщина была очень красива. И послал Давид разведать, кто эта женщина? И сказали ему: это Вирсавия, дочь Элиама, жена Урии Хеттянина. И Давид послал слуг взять ее...» (Вторая книга царств, 11). Эта сцена, выбранная Рембрандтом, заключает в себе историю о супружеской измене, кровном преступлении и божественном гневе. Вирсавия получила послание от Давида, она сидит с его письмом в руках, грустная, предчувствуя будущую вину (противоречивость человека). Роскошно выписанное тело героини буквально залито и пропитано светом, во всей сцене чувствуется неотвратимость судьбы.

Как и в молодости, когда у Рембрандта было мало заказов и учеников, он часто писал своих родственников, соседей, знакомых. Особенно художник любил рисовать стариков, которые имели массу свободного времени для многочасовых позирований. Так был обессмерчен простой человек в «Портрете старика в красном» (1652–1654, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург). Считалось, что на полотне изображен древнегреческий философ Зенон. Старость в интерпретации Рембрандта — это не увядание жизни, а достойное ее завершение. Лицо героя с многочисленными морщинками говорит о богатом опыте. Ничто в жизни не проходит даром, все оставляет свой след: раны — на сердце, морщины — на лице. В спокойных глазах старика заключена вечная память обо всем, что он видел в своей жизни и пережил, чему радовался и о чем горевал. А большие и мозолистые руки говорят о том, как много он сделал перед тем, как уйти.

В «Портрете пожилой женщины» (1654, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург) героиня застыла в неподвижной позе, смиренно сложив руки. В ее взгляде сквозит усталость, забота о каждом дне, доме, родных и близких. Рембрандт любил вдумчиво, скрупулезно, терпеливо, иногда по два-три месяца создавать свои работы, накладывая плотные, богатые пигментом краски. Иногда художник, добиваясь эффекта глубокого пространства, втирал краски в грунт, иногда рельефно лепил лица и руки из довольно густой красочной массы. Один из биографов живописца Арнольд Хоубракен, отзываясь о творчестве Рембрандта, писал, что некоторых его героев можно было смело «взять за нос» — так густо были наложены краски.

Однако публика к этому времени уже остыла к творчеству живописца. Судьба продолжала испытывать его и наносила очередные удары. У него были серьезные финансовые трудности, все реже и реже поступали заказы, сильно уменьшилось число учеников. В 1656 Рембрандта объявили банкротом, а через два года его дом и имущество ушли с молотка за бесценок. В 1660 мастер поселился в квартал бедных живописцев на дальней окраине Амстердама. Его спасло лишь то, что повзрослевший сын Титус оказался очень деловым и предприимчивым, вполне успешно торговал произведениями искусства. Рембрандт со своей супругой помогали ему в этом деле.

К периоду мрачных мыслей относятся также натюрморты, которые были довольны редкими для творчества художника, но в них отчетливо представлена тема печальной обреченности животного и растительного мира, не говоря уже о жизни человека. Такова картина «Разделанная бычья туша» (1655, Лувр, Париж). В полотне стоит мертвая тишина, в нем нет жизни, динамики и чувств.

В пустом помещении под потолком висит разделанная туша быка. Возможно, еще вчера это животное, не подозревая ни о чем, паслось на лугу, а сегодня человеческие руки безжалостно лишили его жизни. У всего живого на земле есть свой срок, который рано или поздно наступит.

В это же время создана работа «Польский всадник» (1655, коллекция Фрик, Нью-Йорк). Фигура всадника вызвала очень много споров, велись они и вокруг авторства работы. Одежда молодого человека — шляпа, отороченная мехом, и кафтан — придает ему некую театральность, что не было свойственно живописной манере Рембрандта. Костюм больше похож на восточный и к польскому никакого отношения не имеет. Тогда откуда такое название? Видимо, работу впоследствии приобрели поляки. Но есть одно «но»: в 1654 в Амстердаме вышел в свет памфлет «Польский всадник», защищающий секту социниан, к которым, согласно многочисленным свидетельствам, примыкал художник. Лошадь изображена очень неуклюже, что никак не вяжется с тем, чтобы сам Рембрандт мог так написать животное.

В строгой композиции «Благословление Иакова» (полное название — «Иаков благословляет сыновей Иосифа Манассию и Ефрема», 1656, Картинная галерея, Кассель) представлено торжественное событие — благословление старцем Иаковом внуков. Полотно написано в присущем Рембрандту стиле — широкими смелыми мазками, яркими сочными красками. Образ Иакова исполнен величия и достоинства. Слегка приподнявшись на постели, легким жестом он касается головы своего внука. Оба ребенка в трепетном восторге притихли возле кровати. Рядом с Иосифом стоит его супруга, наблюдающая за сценой с благоговением. Красное бархатное покрывало на переднем плане необычайно оживляет полотно и привносит в него нотки торжественности и значительности момента.

Картины Серова очень разнообразны по исполнению. Художник никогда не останавливался на удачно найденном и однажды выработанном решении задачи, как это видно у других живописцев, а все время искал новые подходы, стараясь подобрать для каждого сюжета наиболее отвечающую ему форму художественного выражения. Никогда, особенно в годы расцвета своего творчества, Серов не довольствовался уже использованными способами передачи впечатления, а находил еще более точные выражения своего отношения к изображаемому объекту.
4. Творческий закат

Потеряв дом, имущество, свою богатейшую коллекцию полотен мировой живописи, Рембрандт писал близких и дорогих своему сердцу людей — сына и Хендрикьё, помогающих и поддерживающих его в трудную минуту жизни. Одним из самых лучших произведений является трогательный «Портрет сына Титуса за чтением» (около 1656, Художественно-исторический музей, Вена). Перед нами живое воплощение юности, свежести и задора. Мальчик живет в своем мире книг, фантазий и удивительных мечт. Титус читает книгу увлеченно; по его лицу бегают искрящиеся солнечные зайчики, на губах играет улыбка. Рыжими кудрями и чертами лица он напоминает свою маму Саскию...
В «Портрете Хендрикьё Стоффелс» (около 1656, Государственный музей, Берлин) чувствуется теплота и нежность к изображенной героине. После разорения художник мог, наконец-то, сочетаться законным браком с любимой женщиной. Скорее всего, в 1660-х они все-таки поженились, поскольку в многочисленных документах, датированных этим периодом, Хендрикьё уже именуется как супруга Рембрандта. В небольшом проеме окна стоит молодая, миловидная женщина в домашней одежде. Она смотрит вперед, видимо, ожидает любимого, который вот-вот придет. В спокойном взгляде глубоких темных глаз Рембрандт собрал извечную женскую долю: ожидания, встречи родных, проводы и забота о них.

В картине «Евангелист Матфей и ангел» (1661, Лувр, Париж) Матфей изображен в облике простого крестьянина с грубыми чертами лица. В сильной руке, знавшей много труда, он крепко держит перо и записывает Евангелие со слов ангела. Помимо религиозной основы работа наполнена философским смыслом — человек, рождаясь, проходит через муки, трудится, радуется, страдает, лицо его покрывается морщинами, тело увядает, пока не придет смерть. В героях, с одной стороны, заключена нежная, полная энергии молодость, с другой, — тихая, обращенная внутрь себя старость. Рембрандт отмечает, как важно людям в преклонном возрасте не оказаться лицом к лицу с одиночеством, а быть рядом с близкими, которые искреннее будут заботиться о них до самого последнего дня. Неслучайно Ангел положил руку на плечо Старцу. Он явно успокаивает его, а Матфей тем временем погружен в собственные мысли, теребя бороду.

Годом позже Рембрандт работал над заказом, полученным от амстердамского цеха сукноделов, — замечательным групповым портретом старейшин суконного цеха — «Синдики» (1662, Амстердам, Риксмузеум). В характеристике своих героев художник сделал акцент на их профессиональной честности и скромности. Пятеро синдиков и слуга (в образе последнего подчиненная роль вовсе не чувствуется) смотрят на зрителя внимательным взглядом. Их лица выражают добросовестность, порядочность, ум. Как тонко отмечает французский живописец, писатель и историк искусства Эжен Фромантен, «они заняты, хотя и не двигаются, говорят, хотя и не шевелят губами. Никто не позирует, все живут». Черно-белые цвета строгих одеяний героев разбавлены золотисто-коричневыми тонами стенных панелей, красной скатерти. Книга, лежащая в раскрытом виде на столе перед ними, — цеховый Устав, заключающий стандарты качества работы суконщиков Амстердама. Эта деталь, явно введенная в потрет по просьбе заказчиков, не сделала картину искусственной и никак не умалила ее глубины и содержательности.

Композиция построена на горизонталях, замыкающих группу сверху и снизу. Сочный колорит и единственное светлое пятно в центре холста еще больше объединяют героев. Есть сведения, что эта работа, как в свое время «Ночной дозор», вызвала большой общественный резонанс. Рентгеноскопия показала, в частности, что холст претерпевал две крупные переделки — в 1661 и 1662. По какой причине переписывалась картина — до сих пор неизвестно.
5. Последние шедевры мастера

Демонстративное непризнание творчества Рембрандта подавляло художника. Судьба наносила очередные удары, испытывая на прочность. Неуклонно ухудшалось его материальное положение, в 1663 умерла Хендрикьё, в 1668 мастер потерял своего единственного сына Титуса. С ним осталась только дочь Корнелия от Хендрикьё.
..
Но ни разу Рембрандт не усомнился в верности избранного пути. Несмотря на испытания, потерю близких людей, банкротство, уменьшение числа учеников, количества заказов и бедственное материальное положение, он не опускал руки и продолжал творить, подводя итоги подлинно реалистического искусства. Поздние работы мастера лишены движения, шума, эффектов. Их сюжеты спокойны, словно действие замерло в ту или иную секунду, но именно этот выхваченный Рембрандтом миг является роковым и решающим в жизни и судьбе героев.

В картине «Давид и Урия» (около 1665, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург) из шатра выходит Давид, ощупывающий за пазухой письмо, в котором он обречен на гибель. Мужчины на заднем плане смотрят ему вслед молча и смиренно.

Среди величайших шедевров Рембрандта — «Еврейская невеста» и «Возвращение блудного сына».

Вокруг «Еврейской невесты» (около 1666, Риксмузеум, Амстердам) ходило множество слухов. Одни считали, что в картине изображена библейская супружеская пара: Исаак и Ревекка, Иаков и Рахиль или Вооз и Руфь; другие видели в ней портрет современников Рембрандта — еврейского поэта Мигеля де Барриоса с супругой или сына художника Титуса с невестой Магдаленой ван Лоо. Однако кем бы ни были позировавшие живописцу герои, это произведение является одним из самых необыкновенных и трогательных изображений супружеской пары. Винсент Ван Гог так написал о нем: «Эта нежность, в которой таится боль, это полуоткрытое и бесконечное, сверхчеловеческое, которое в то же время кажется таким естественным».

Фигуры мужчины и женщины, одетые в золотистожелтые и оранжево-красные ткани, залиты ровным интенсивным светом, символизирующим пламя их любви. В позе мужчины, заботливо склонившегося над своей супругой, одной рукой нежно обнимающего ее за плечо, а другой касающегося груди, сквозит бесконечная нежность и забота о своей женщине, любовь и восхищение ею. Девушка трепетно касается кончиками пальцев его руки. Она спокойна за свою судьбу, вверенную в руки супруга

«Возвращением блудного сына» (1668–1669, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург) Рембрандт блестяще завершил свое творчество. Если «Еврейская невеста» была гимном плотской и земной любви, то это полотно рассказывает о любви другого порядка — более высокой, полной раскаяния, прощения, принятия, той самой всепоглощающей любви, которая возможна между родителем и его дитем. Картина решена в приглушенных тонах с преобладанием темных красок. Только плащи отца, обнимающего своего сына, и мужчины, стоящего справа, горят огнем. Рембрандт видел себя в роли блудного сына всю жизнь. Даже полотно «Автопортрет с Саскией на коленях» изначально называлось «Пир блудного сына». Евангельская притча легла также в основу нескольких рисунков.

Картина не отличается сложным композиционным построением. На переднем плане стоит на коленях сын, склонивший голову к ногам отца в надежде на его прощение. Они не смотрят друг на друга, не видят глаз, не разговаривают, но в их позах заключена огромная любовь и близость — это два родных человека, бесконечно дорогих друг другу. Мы видим стертые ступни старых башмаков сына-бродяги и понимаем, насколько долгий путь он проделал, прежде чем предстал перед своим измученным отцом, обнявшим его своими натруженными руками. Лица других персонажей, стоящих в стороне, полны благоговения и очень выразительны.
6. Эпилог

Рембрандт принадлежит к тем художникам, чье творчество не иссякало, несмотря не только на жизненные обстоятельства, но и старость. Даже в возрасте пятидесяти лет гениальный мастер не выпускал из рук кисти, неустанно продолжая создавать свои шедевры, проникая в глубину жизни человека, ставшего самым главным героем его потрясающих полотен.
..
Все то новое, что принес в искусство Рембрандт, ни разу не изменив своим творческим принципам, совершило настоящий переворот в голландском искусстве и поставило его на путь непрерывной эволюции. Мастер скончался 4 октября 1669 и был погребен на амстердамском кладбище Вестеркерке рядом с Саскией, Хендрикьё и Титусом. Творческое наследие Рембрандта включает более шестисот живописных картин, трехсот офортов и полутора тысяч рисунков.
Великий художник, оставивший миру богатейшее наследие, умер в забвении и нищете
CКАЧАТЬ КНИГУ
Информация о книге:
Издательство: Комсомольская правда|Директ-Медиа
Год: 2009
ISBN: 978-5-87107-189-2. - ISBN 978-5-4475-4173-6
кол-во страниц: 49


Серия Великие художники
Т. 16. Рембрандт Харменс ван Рейн
ИЗДАТЕЛЬСТВО «ДИРЕКТ-МЕДИА»:
Генеральный директор: К. Костюк
Главный редактор: А. Барагамян
Редакторы-искусствоведы: М. Гордеева, Д. Перова
Автор текста: Л. Мельникова
Корректор: Е. Иванова
Дизайн: П. Каллиников
Адрес издательства: 117342, Москва,
ул. Обручева, д.34/63, стр.1
manager@directmedia.ru
www.directmedia.ru
Made on
Tilda